Los movimientos más representativos de los siglos XIX y XX.

lunes, 6 de mayo de 2013

CONCLUSIÓN

Honestamente, considero que realizar este blog fue muy importante, ya que a la mayoría de estos movimientos artísticos solo los conocía por su nombre, pero no sabía sus características o sus temáticas.
Un punto interesante a destacar es como el contexto se refleja en las obras y como este las modifica. Varios artistas conocidos, se vieron influenciados por tiempos de pobreza, guerra, y desconsolación que se ve reflejado en sus cuadros, así como otros por tiempos de alegría y felicidad. Sin embargo, esta interpretación no se puede realizar si el espectador no se ubica en el tiempo.
Aprendí, también, muchas técnicas nuevas y quedé impresionada con muchas otras como es el caso del puntillismo o como los artistas lograban distintas pinceladas que complementaban la obra.
Si tengo que poner énfasis en algún movimiento, lo haría en el surrealismo y en el hiperrealismo. Si bien son muy diferentes, nunca paro de impresionarme de la creatividad e imaginación de los artistas a la hora de hacer una pintura surrealista.
Por el otro lado, me resulta sumamente difícil de entender como es que, esos artistas, llegan a hacer que un cuadro sea tan similar a una fotografía, en el caso del hiperrealismo.
A partir de ahora, y gracias a esta investigación, puedo ver e interpretar con una mirada más amplia las distintas obras que se me presenten a lo largo de la vida.
NEOEXPRESIONISMO


¿CUÁNDO?
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.
Los historiadores y críticos del arte postulan al neoexpresionismo como la transición coyuntural estilística entre las últimas vanguardias de la modernidad y la posmodernidad. Su apogeo abarca desde la década de los 70´s hasta los 80´s. Aún en la década de los 90´s se puede encontrar obra actual de esta corriente.
Para tal diferenciación de época se ha determinado encontrar las características entre aquella propuesta y la más reciente, por lo que se distinguen dos generaciones, la primera es la “Generación del G1” sus integrantes nacieron antes de la Segunda Guerra Mundial, y la otra que suele conocerse como “Segunda Generación de neoexpresionistas”, estos artistas nacieron en las posguerra.
El neoexpresionismo en ocasiones es considerado como un momento o proceso que abarcan dos vertientes estilísticas: la Transvanguardia italiana y el neoexpresionismo o nuevos salvajes (fauces). Pero la nueva pintura alemana se apropió del sustantivo que definía el regreso de la pintura figurativa, quedándose con el nombre de neoexpresionismo alemán o nuevos salvajes. Algunos críticos de arte señalan que nunca se ha dejado de producir pintura expresiva.

¿QUÉ?
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
Es un movimiento artístico que recupera modelos propios del expresionismo. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos.

¿CÓMO?
 Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
 Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
 - Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
 Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
 Ejecución de trazos amplios.
 Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, templeacuarelafresco).
 Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (pajaarenayeso, etc.).
 Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
 Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista, matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).
Como síntesis, el neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.

¿QUIÉN?
Podemos considerar a Georg Baselitz , Ansel Kiefer, Markus Lüpertz, A. R. Penck ,Ralf Winkler, Jörg Immendorff, Rainer Fetting, Helmut Middendorff, Salomé  y Bernd Koberling , Hans-Peter Adamski, Peter Bömmels, Walter Dahn, y Jiri Georg Dokoupil , como los artistas más representativos del neoexpresionismo.
Georg Baselitz (nacido el 23 de enero de 1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato que representaba a un chico menor masturbándose.
Es profesor en la Hochschule der Künste en Berlín.

“DESNUDO MASCULINO” DE  GEORG BASELITZ
 Para representar a este hombre desnudo, Baselitz ha utilizado violentas pinceladas y trazos de dedos, consiguiendo así un fuerte impacto casi diríamos que una cierta agresividad, que contrasta con la serenidad pensativa del hombre sentado.
Baselitz representa a este hombre con crudeza, la imagen es sencilla, sin ningún toque que distraiga, en un decorado casi teatral. Pero llama la atención que la figura está “boca abajo”, como si el cuadro se hubiera colgado al revés, en un intento de acercar lo figurativo a lo abstracto, llegando así a los aspectos básicos de la composición y desligando el contenido de la forma. El espectador puede así concentrarse en la expresividad de las pinceladas, dejando de lado, pese a la importancia que subyace en pintura, el motivo representado.

Fuentes de información:
http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo
http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo
http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Baselitz


HIPERREALISMO

¿CUÁNDO?
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX. Nacido en la West-Coast, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre. 
En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés.

¿QUÉ?
 Es un movimiento artístico que propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y forma la iconografía de lo cotidiano. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el Pop Art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del Pop Art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

¿CÓMO?
Características:
• propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía
• el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
• el extremo acabado de las pinturas los pintores hiperrealistas tratan de no dejar marcas de pinceladas sobre el lienzo hasta casi hacer parecer que una persona no fue capaz de hacer semejante trabajo.
Como todos los hiperrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.
Otra característica es la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.

¿QUIÉN?
Artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes fueron grandes reconocidos de este movimiento.
Chuck Close (Charles Thomas Close, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un artista estadounidense, pintor y fotógrafo fotorrealista. Desde 1988 una hemiplejia derecha, restringió su capacidad de pintar tan meticulosamente como antes, pero prosiguió su carrera utilizando diversos métodos alternativos para manejar pinceles y brochas, por ejemplo atándolos a su muñeca.
"GRAN AUTORRETRATO" DE CHUCK CLOSE.
Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato.
Este autor logra rearmar la fotografia, logrando ir más allá al no ser el papel “quemado” el soporte de fuerza en la obra y si ser el soporte la malla, consiguiendo asi una sensación más calida en cuanto a la variedad de material, logrando tambien sacar de la realidad la verdadera imagen y poner un toque de el mismo en la obra.

Fuentes de información:
http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://ppdroppo.blogspot.es/1259679000/
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Chuck_Close

domingo, 5 de mayo de 2013

OP ART

 ¿CUÁNDO?
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art.

¿QUÉ?
El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

¿CÓMO?
 Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. 
El Arte Óptico se caracteriza por varios aspectos:
La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

¿QUIÉN?
 En el op-art se encuentra Víctor Vasarely, Yaacov Agam, Bridget Riley, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis Waldheims, etre otros.
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

"VEGA MULTI” DE VICTOR VASARELY
  Busca generar, tal como su nombre lo indica, un efecto óptico, a través de la repetición sistemática de cuadrados y su deformación. Al dilatar el cuadrado base surge una forma convexa; en cambio al encoger el cuadrado base, surge una forma cóncava. Sobre ellos es aplicada una gama cromática basada en colores pasteles, tales como azul, rojo, amarillo y verde, en un fondo negro. Su punto caliente está en el centro de la composición a modo de volumen esférico.

Fuentes de información:
https://es.wikipedia.org/wiki/Op-art
http://my.opera.com/enlacesatspace/blog/2007/03/14/arte-optico
POP ART

¿CUÁNDO?
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop.
Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man's Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″, que aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos.
El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento.
El Pop Art se divide en cuatro fases
• La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.
• La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
• La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
 • Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades. Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".

¿QUÉ?
El Pop Art fue un importante movimiento artístico  que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un arte accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de imágenes de tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.

¿CÓMO?
Utilizaban colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell). Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.
Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.
        - Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el      mundo y la realidad objetual.
         -Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.
        - Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.
       - Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.
-Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton).
       -  Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).
        - Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.

¿QUIÉN?
Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.
Andy Warhol (1928-1987): Fue un pintor estadounidense y una figura destacada del movimiento pop art.
Warhol nació como Andrew Warhola, hijo de inmigrantes eslovacos. Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió arte comercial. Después de su graduación en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa como ilustrador de publicidad y revistas como Vogue y Harper's Bazaar. En 1956 gana un premio por logros destacados de parte del MoMA  de Nueva York.
En 1960 crea un canal privado llamado WarholTV. En 1962 empieza con su serie de dibujos más famosa, los Campbell's y participa también en uno de los eventos más importantes del llamado pop art. Al próximo año graba su primer filme, de seis horas de duración, llamado Sleep.
En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y en poco tiempo se vuelve manager del grupo, añadiendo a su amiga, la cantante alemana, Nico. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, que fue producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retira y los servicios de Warhol ya no son necesitados. En 1968, exponiendo en Estocolmo, una mujer le dispara y es herido gravemente.
Desde el 68 hasta 1972 se dedica a hacer retratos de sus amigos, entre ellos Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Carolina Herrera yElizabeth Taylor. También empieza con su famosa serie "Marilyn" sobre la fallecida Marilyn Monroe.
En 1975 se publica The Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe su serie de retratos Portraits of the Seventies. En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Boticcelli y Uccelo. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Muere el 22 de febrero de 1987 durante una cirugía.

MARILYN MONROE DE ANDY WAHROL.
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.

Fuentes de información:
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
http://www.artelista.com/arte-pop.html



SURREALISMO


¿CUÁNDO?
En 1924 aparece en París, de la pluma del escritor André Breton, el “Manifeste du Surrealismo”. Fue con este texto que nació el surrealismo, este tiene unas raíces profundas que lo conectan con el romanticismo visionario y fantástico, filtrado a través de las experiencias del simbolismo y el dadaísmo. 
Los descubrimientos en el campo de la biología, y sobre todo de la psicología, son el punto de partida para el reconocimiento de las formas de expresión del surrealismo. El mismo Breton lo reconoció en el homenaje que hizo al padre de la psicología, Sigmund Freud. Siguiendo la pauta de las afirmaciones científicas, se admite como verdadera y autentica la expresión de lo que escondemos en las profundidades de nuestra mente, un contenido de los lenguajes tradicionales que se esconde bajo reglas e imposiciones, pero que podemos emerger a través de los sueños, la fantasía y el inconsciente. 

¿QUÉ?
Movimiento literario y artístico  que intenta expresar el pensamiento puro con exclusión de toda lógica o preocupación ética; los surrealistas buscaban sobrepasar la realidad convencional para explorar los límites entre lo racional y lo irracional. Para exteriorizar la realidad del subconsciente, su arte incluye la libre asociación de imágenes imprevistas, desordenadas y aparentemente incongruentes de manera que refleje la casual sucesión de hechos y memorias de los sueños. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo.

¿CÓMO?
Técnicas y métodos surrealistas:
- La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).
- El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo, de personajes como Marcel Duchamp).
- El Forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo).
- Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).
- Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).
- Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
- Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
- Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.
- Decalcomanía.
- Grattage.
Imágenes de la pintura surrealista:
- Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
- Animación de lo inanimado
- Aislamiento de fragmentos anatómicos
- Elementos incongruentes
- Metamorfosis
- Máquinas fantásticas
- Relaciones entre desnudos y maquinaria
- Evocación del caos
- Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías
-Realidades oníricas
- Perspectivas vacías
- Universos figurativos propios

¿QUIÉN?
Dentro de los pintores surrealistas más destacados encontramos a Salvador Dalí (1904-1989), Joan Miró (1893-1983), André MassonMax Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967). En Latinoamérica se consideran surrealistas Remedios VaroWifredo Lam y Leonora Carrington.
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintorescultorgrabadorescenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
EL GRAN MASTURBADOR DE SALVADOR DALÍ.
El gran masturbador es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1929. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 110 x 150 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía pues fue legado por Dalí a España.
Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor.

Fuentes de información:
http://www.artelista.com/surrealismo.html
http://enciclopedia.us.es/index.php/Surrealismo#Los_pintores_surrealistas
http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://traduliterata.wordpress.com/servicios/glosarios/glosario-de-terminos-literarios/